Il est manifeste qu’une des choses que l’homme ne fait naturellement pas en public, c’est bien de copuler ou de faire l’amour et que cette activité privée est bien, par contre, le garant que l’homme acquiert le statut de civilisé, qu’il a un réel plaisir personnel sans la complaisance d’un public-miroir. Le jour où l’on sera parvenu à montrer un phallus et un vagin communiquant ardemment en gros plan sans être au moins troublé, on pourra se féliciter d’avoir éradiqué la sexualité humaine.
Le film – ambitieux, techniquement très accompli, bien interprété, vraiment réussi dans sa première demi-heure grâce notamment à des effets de contraste saisissants – souffre d’un défaut majeur qui atténue sa force : l’imagerie.
Avec Burn After Reading, les frères Coen continuent d’opérer – sur un mode plaisant, mais mineur – ce grand saut qualitatif de leur cinéma puisque cette fois, l’œuvre peut être regardée comme une version « détarantinoisée » de The Big Lebowski, tant au niveau de la mise en scène que du récit.
Gran Torino n’est pas plus modeste que ne le serait le cinéaste, et pour une raison simple : un film d’Eastwood dans lequel il joue, c’est toujours deux histoires filmées en une, à égalité de temps. Celle du scénario et celle qui n’a pour cadre que la présence solitaire et picturale de l’acteur.
Cassavetes s’évertue à filmer des portraits authentiques, à nous mettre en plein visage son Amérique déchirée de l’intérieur ; une Amérique fragmentée, au bord de la crise de nerfs et qui tente de survivre au chaos de la vie quotidienne. Son écriture filmique en est une du désenchantement, il met à nu ses personnages afin de les diriger ultimement vers une quête de la révélation.
Analyse du film de Wim Wenders, Alice in den Städten (Alice dans les villes), réflexions sur le “road movie”, la photographie et le “self-estrangement”.
Dans le cadre du programme de films d’Ernie Gehr présenté par Hors champ à la Cinémathèque québécoise, Tom Gunning (professeur à l’Université de Chicago, pionnier des études sur le cinéma des premiers temps et spécialiste du cinéma de Gehr) a gentiment accepté que nous traduisions et publiions un de ses textes magistraux sur ce cinéaste qui, bien que rédigé en 1993, n’a pas perdu de sa force ni de sa pertinence.
Une réflexion sur le cinéma d’horreur contemporain, sur les enjeux liés à la référentialité, à l’historicité du genre, à l’influence médiatique et technologique, ainsi qu’à ses diverses formes de contamination (sociologiques, génériques).
De façon rétrospective, le film montre que le parti-pris temporel d’Eastwood concernant les deux versants de son diptyque était chronologiquement juste : être dans une mémoire d’après-guerre dans le cas des américains – seule capable de fabriquer le spectacle dont ils ont culturellement besoin – mais rester dans une mémoire d’avant-guerre dans le cas des soldats Japonais, puisque la logique de sacrifice dans laquelle ils sont placés les prive de la possibilité même d’un retour au pays.
Un montage d’images qui tente de recomposer la trame des influences et des citations dans la récente trilogie de Gus Van Sant.