ENTRE DEUX CHANGEMENTS DE COSTUME
C’est d’abord l’histoire d’une fuite. Un dédale de Nantes à La Rochelle. En tournée avec sa troupe de danseuses américaines qui ne rêvent que de Paris, Joachim Zand doit affronter la solitude des villes de province. De retour en France après un long exil aux États-Unis, cet agent d’artistes névrosé fait face, malgré lui, à un passé qu’il aurait préféré oublier. Le scénario se répète de ville en ville : lobbys d’hôtels impersonnels, éclairage blafard, salles de spectacle enfumées. Malgré les paillettes, les plumes et l’humour french cancan du New Burlesque, Zand doit pourtant affronter la réalité la plus morne. The show must go on.
Lauréat du prix de la mise en scène au 63e Festival de Cannes – où il faisait partie de la Sélection officielle – le troisième film de Mathieu Amalric (qui incarne également le rôle principal) est un petit chef-d’œuvre d’insolence qui rejoue avec brio les clés du New Burlesque. Né aux États-Unis à la fin des années 90, le genre s’inspire à la fois du style burlesque des années folles, des cabarets music-hall anglais et américain, des pin-ups des années 50, des danseuses du Moulin Rouge, du strip-tease, du rock’n roll… tout en introduisant des éléments de théâtre, de chorégraphie, d’érotisme et d’humour. Le film s’incarne ainsi à travers la continuation et la réinterprétation d’un genre axé sur la performance et la mise en scène des corps. Mimi Le Meaux, Kitten on the Keys, Miss Dirty Martini, Julie Atlas Muz, Evie Lovelle et Rocky Roulette – toutes de vraies danseuses qui jouent leur propre rôle au grand écran – performent avec humour une féminité soulignée à grands traits, un genre presque travesti. Si leurs chorégraphies ne manquent pas d’érotisme, on est pourtant loin du strip-tease classique, les danseuses incarnant un réel pouvoir sur scène et se décrivant d’ailleurs comme des femmes qui dansent d’abord pour des femmes.
L’audace de Tournée se situe précisément dans ce jeu autour des corps, un art qui se pose continuellement entre élégance et transgression. Ici, les formes pulpeuses et sensuelles des danseuses s’opposent de façon grotesque au corps frêle, cassé et enlaidi d’Amalric. La mise en scène excessive, la théâtralité et le grand érotisme des images côtoient toujours de près le malaise, l’attente et l’ennui. L’ensemble forme un bal incongru et débridé, une danse à l’image de Joachim Zand qui se balance gauchement en regardant ses girls, sans jamais arriver à suivre le rythme. Lui-même ne semble jamais à l’aise à l’intérieur de sa propre performance, le petit moustachu donnant l’impression d’être toujours décalé dans un univers où il devrait pourtant être le maître.
La célébration du mouvement et du rythme que forme Tournée évoque le cinéma américain des années 1970 et rappelle particulièrement l’œuvre de John Cassavetes. On pense principalement au naturalisme qui lie les deux réalisateurs, un penchant pour le réel qui se révèle notamment dans les dialogues. Ici, le français et l’anglais se côtoient de façon chaotique. Toujours dans cette opposition entre l’excès et le manque, les silences étouffants des personnages font place aux bafouillages nerveux, aux cris des danseuses et à la musique étourdissante. Le film se construit peu à peu à travers l’incompréhension (du spectateur, mais également entre les personnages du film) et la solitude. Si les danseuses de Joachim Zand se présentent d’abord comme une troupe de New Burlesque réunie pour la première fois afin de présenter leur spectacle outre-atlantique, on trouve au final assez peu de solidarité entre les artistes et leur gérant.
Le naturalisme d’Amalric se lit également – tout comme dans la mise en scène de Cassavetes pour Opening Night en 1977 – à travers un intérêt pour les dessous de la représentation. À la manière d’une Myrtle Gordon qu’on filme dans sa loge, sans artifice, l’arrière-scène devient dans Tournée le point central de l’action. Amalric s’intéresse ici avant tout à la figure de l’actrice, aux costumes, aux multiples jeux du corps en performance. Mais qu’on ne se trompe pas : le film va bien au-delà de l’hommage. Mathieu Amalric trouve dans cet agencement fou de corps, de paillettes, de tatouages et de néons d’hôtels, un style éminemment personnel. Son film constitue au final une réflexion colorée sur le quotidien de la représentation et le spectacle de la vraie vie. Une douce insolence se révèle ainsi au détour d’une scène, dans le mouvement des hanches de Mimi Le Meaux, entre un baiser caché et une histoire d’amour impossible.
